Artyści amerykańscy. 7 mistrzów, którzy zaskoczyli świat

Amerykańscy artyści są bardzo różnorodni. Ktoś był wyraźnym kosmopolitą, jak Sargent. Z pochodzenia Amerykanin, ale prawie całe dorosłe życie mieszka w Londynie i Paryżu.

Są wśród nich także autentyczni Amerykanie, którzy portretowali życie tylko swoich rodaków, jak Rockwell.

Są też artyści nie z tego świata, jak Pollock. Lub tych, których sztuka stała się wytworem społeczeństwa konsumpcyjnego. Chodzi oczywiście o Warhola.

Jednak wszyscy są Amerykanami. Kochający wolność, odważny, bystry. Przeczytaj o siedmiu z nich poniżej.

1. Jamesa Whistlera (1834-1903)

Whistlera trudno nazwać prawdziwym Amerykaninem. Dorastając mieszkał w Europie. I w ogóle spędził dzieciństwo ... w Rosji. Jego ojciec zbudował kolej w Petersburgu.

To tam młody Jakub zakochał się w sztuce, odwiedzając Ermitaż i Peterhof dzięki koneksjom ojca (wtedy były to jeszcze pałace zamknięte dla zwiedzających).

Dlaczego Whistler jest sławny? Niezależnie od stylu, w jakim maluje, od realizmu po tonalizm*, można go niemal natychmiast rozpoznać po dwóch cechach. Niezwykłe kolory i nazwy muzyczne.

Niektóre z jego portretów to imitacje dawnych mistrzów. Jak na przykład jego słynny portret „Matka Artysty”.

Artysta stworzył niesamowite prace, używając kolorów od jasnoszarego do ciemnoszarego. I trochę żółtego.

Ale to nie znaczy, że Whistler lubił takie kolory. Był niezwykłą osobą. Z łatwością mógł pojawić się w towarzystwie w żółtych skarpetkach iz jasnym parasolem. I to wtedy mężczyźni ubierali się wyłącznie na czarno i szaro.

Ma też dużo lżejsze utwory niż „Matka”. Na przykład Symfonia w bieli. Tak więc zdjęcie nazwał jeden z dziennikarzy na wystawie. Whistlerowi spodobał się ten pomysł. Od tego czasu niemal wszystkie swoje dzieła nazywał muzycznie.

Ale wtedy, w 1862 roku, Symfonia nie spodobała się publiczności. Ponownie, z powodu charakterystycznych schematów kolorów Whistlera. Ludziom wydawało się dziwne pisać kobietę w bieli na białym tle.

Na zdjęciu widzimy rudowłosą kochankę Whistlera. Całkiem w duchu prerafaelitów. W końcu artysta przyjaźnił się wtedy z jednym z głównych inicjatorów prerafaelizmu, Gabrielem Rossettim. Piękno, lilie, niezwykłe elementy (skóra wilka). Wszystko jest tak, jak być powinno.

Ale Whistler szybko odszedł od prerafaelizmu. Bo nie liczyło się dla niego zewnętrzne piękno, ale nastrój i emocje. I stworzył nowy kierunek - tonalizm.

Jego nokturnowe pejzaże utrzymane w stylistyce tonalizmu wyglądają jak muzyka. Monochromatyczny, lepki.

Sam Whistler powiedział, że nazwy muzyczne pomagają skupić się na samym obrazie, liniach i kolorze. Jednocześnie bez zastanowienia się nad miejscem i przedstawionymi ludźmi.

Tonalizm, jak również blisko niego impresjonizm, w połowie XIX wieku, opinia publiczna również nie była zachwycona. Zbyt daleko od realizmu popularnego w tamtych czasach.

Ale Whistler będzie miał czas, by czekać na uznanie. Do końca życia jego praca będzie chętnie kupowana.

2. Maria Cassat (1844-1926)

Mary Cassatt urodziła się w zamożnej rodzinie. Mogła żyć beztrosko. Ożenić się i mieć dzieci. Ale wybrała inną drogę. Złożył sobie ślub celibatu ze względu na malarstwo.

Przyjaźniła się z Edgara Degasa. Dostałem w środę impresjoniści, na zawsze pochłonięty tym kierunkiem. A jej „Dziewczyna w niebieskim fotelu” to pierwsza impresjonistyczna praca, którą zobaczyła publiczność.

Ale nikt tak naprawdę nie lubił tego zdjęcia. W XIX wieku dzieci przedstawiano jako posłusznie siedzące anioły, z lokami i rumianymi policzkami. A oto dziecko wyraźnie znudzone, siedzące w zbyt rozluźnionej pozycji.

Ale to Mary Cassatt, która nigdy nie miała własnych dzieci, była prawie pierwszą, która przedstawiła je jako naturalne.

Jak na tamte czasy Cassatt miał poważną „wadę”. Była kobietą. Nie było jej stać na samotne pójście do parku, aby malować z natury. Zwłaszcza, aby pójść do kawiarni, w której gromadzili się inni artyści. Wszyscy mężczyźni! Co jej zostało?

Napisz monotonne herbaciane przyjęcia dla kobiet w salonach z marmurowymi kominkami i drogimi serwisami do herbaty. Życie jest mierzalne i nieskończenie nudne.

Mary Cassatt nie czekała na uznanie. Początkowo została odrzucona za impresjonizm i rzekomo niedokończone obrazy. Potem, już w XX wieku, był ostro „przestarzały”, ponieważ secesja była w modzie (Klimta) i fowizm (Matisse).

Jednak do końca pozostała wierna swojemu stylowi. Impresjonizm. Delikatny pastel. Matki z dziećmi.

Ze względu na malarstwo Cassatt porzuciła macierzyństwo. Ale jej kobiecość coraz bardziej przejawiała się właśnie w tak delikatnych pracach, jak Śpiące dziecko. Szkoda, że ​​konserwatywne społeczeństwo postawiło ją kiedyś przed takim wyborem.

3. Jan Sargent (1856-1925)

John Sargent był pewien, że przez całe życie będzie portrecistą. Kariera szła dobrze. Arystokraci ustawili się w kolejce, by go zamówić.

Ale kiedyś artysta przekroczył granicę w opinii społeczeństwa. Trudno nam teraz zrozumieć, co jest tak niedopuszczalne w filmie „Madame X”.

To prawda, że ​​w oryginalnej wersji bohaterka pominęła jeden z braletek. Sargent „wychował” ją, ale to nie pomogło sprawie. Zamówienia spełzły na niczym.

Co obscenicznego zobaczyła publiczność? I fakt, że Sargent przedstawił modelkę w zbyt pewnej pozie. Ponadto prześwitująca skóra i różowe ucho są bardzo wymowne.

Obraz niejako mówi, że ta kobieta o zwiększonej seksualności nie jest przeciwna przyjmowaniu zalotów innych mężczyzn. Co więcej, będąc w związku małżeńskim.

Niestety, za tym skandalem współcześni nie widzieli arcydzieła. Ciemna sukienka, jasna skóra, dynamiczna poza – proste połączenie, które mogą znaleźć tylko najbardziej utalentowani mistrzowie.

Ale nie ma zła bez dobra. Sargent otrzymał w zamian wolność. Zaczął bardziej eksperymentować z impresjonizmem. Pisz dzieci w nagłych sytuacjach. Tak powstała praca „Goździk, lilia, lilia, róża”.

Sargent chciał uchwycić konkretny moment zmierzchu. Więc pracowałem tylko 2 minuty dziennie, kiedy oświetlenie było odpowiednie. Pracował latem i jesienią. A kiedy kwiaty zwiędły, zastąpił je sztucznymi.

W ostatnich dziesięcioleciach Sargent tak bardzo zasmakował wolności, że zaczął całkowicie rezygnować z portretów. Chociaż jego reputacja została już przywrócona. Jednej klientce nawet nieuprzejmie odprawił, mówiąc, że z większą przyjemnością niż twarz pomalowałby jej bramę.

Współcześni traktowali Sargenta z ironią. Uznając to za przestarzałe w dobie modernizmu. Ale czas postawił wszystko na swoim miejscu.

Teraz jego praca jest warta nie mniej niż praca najsłynniejszych modernistów. Cóż, nie mówiąc już o miłości publiczności i nic nie mów. Wystawy z jego pracami są zawsze wyprzedane.

4. Normana Rockwella (1894-1978)

Trudno sobie wyobrazić bardziej popularnego artystę za życia niż Norman Rockwell. Na jego ilustracjach wychowało się kilka pokoleń Amerykanów. Kochając je całym sercem.

W końcu Rockwell przedstawiał zwykłych Amerykanów. Ale jednocześnie pokazując swoje życie z jak najbardziej pozytywnej strony. Rockwell nie chciał pokazywać ani złych ojców, ani obojętnych matek. I nie spotkasz z nim nieszczęśliwych dzieci.

Jego prace są pełne humoru, soczystych kolorów i bardzo umiejętnie uchwyconych wyrazów życia.

Ale to złudzenie, że praca została łatwo przekazana Rockwellowi. Aby stworzyć jeden obraz, najpierw robił nawet sto zdjęć ze swoimi modelami, aby uchwycić odpowiednie gesty.

Praca Rockwella wywarła ogromny wpływ na umysły milionów Amerykanów. Przecież często przemawiał za pomocą swoich obrazów.

W czasie II wojny światowej postanowił pokazać, o co walczyli żołnierze jego kraju. Stworzywszy między innymi obraz „Wolność od niedostatku”. W formie Święta Dziękczynienia, w którym wszyscy członkowie rodziny, syci i zadowoleni, cieszą się rodzinnymi wakacjami.

Po 50 latach pracy w Saturday Evening Post Rockwell przeniósł się do bardziej demokratycznego magazynu Look, gdzie mógł wyrażać swoje poglądy na tematy społeczne.

Najjaśniejszym dziełem tamtych lat jest „Problem, z którym żyjemy”.

To jest prawdziwa historia czarnej dziewczyny, która chodziła do białej szkoły. Odkąd uchwalono prawo, zgodnie z którym ludzie (a co za tym idzie instytucje edukacyjne) nie powinni być już dzieleni według linii rasowych.

Ale gniew mieszkańców nie znał granic. W drodze do szkoły dziewczyna była pilnowana przez policję. Oto taki „rutynowy” moment i pokazał Rockwell.

Jeśli chcecie poznać życie Amerykanów w nieco upiększonym świetle (tak jak sami chcieli je widzieć), koniecznie obejrzyjcie obrazy Rockwella.

Być może ze wszystkich malarzy przedstawionych w tym artykule Rockwell jest najbardziej amerykańskim artystą.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

W przeciwieństwie do Rockwella, Wyeth nie był tak pozytywny. Samotnik z natury, nie starał się niczego upiększać. Wręcz przeciwnie, przedstawiał najzwyklejsze pejzaże i rzeczy nie wyróżniające się. Tylko pole pszenicy, tylko drewniany dom. Ale nawet udało mu się zerknąć w nich coś magicznego.

Jego najbardziej znanym dziełem jest Świat Christiny. Wyeth pokazał losy jednej kobiety, swojej sąsiadki. Od dzieciństwa sparaliżowana, czołgała się po okolicy swojej farmy.

Na tym obrazie nie ma więc nic romantycznego, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Jeśli przyjrzysz się uważnie, kobieta ma bolesną szczupłość. A wiedząc, że nogi bohaterki są sparaliżowane, ze smutkiem rozumiesz, jak daleko jest jej jeszcze do domu.

Na pierwszy rzut oka Wyeth napisał najbardziej przyziemne. Oto stare okno starego domu. Odrapana zasłona, która już zaczęła się rozpadać w strzępy. Za oknem ciemnieje las.

Ale w tym wszystkim jest jakaś tajemnica. Jakieś inne spojrzenie.

Dzięki temu dzieci mogą patrzeć na świat bez mrugnięcia okiem. Podobnie Wyatt. A my z nim.

Wszystkimi sprawami Wyetha zajmowała się jego żona. Była dobrą organizatorką. To ona kontaktowała się z muzeami i kolekcjonerami.

W ich związku było mało romantyzmu. Muzyka musiała się pojawić. I stała się prostą, ale o niezwykłym wyglądzie Helgą. To właśnie widzimy w wielu pracach.

Mogłoby się wydawać, że widzimy tylko fotograficzny wizerunek kobiety. Ale z jakiegoś powodu trudno się od tego oderwać. Jej oczy są zbyt złożone, ramiona napięte. Niejako napinamy się z nią wewnętrznie. Próbuje znaleźć wyjaśnienie tego napięcia.

Przedstawiając rzeczywistość w każdym szczególe, Wyeth magicznie obdarzył ją emocjami, które nie mogą pozostać obojętne.

Artysta długo nie był rozpoznawany. Swoim realizmem, choć magicznym, nie wpisywał się w modernistyczne trendy XX wieku.

Gdy pracownicy muzeum kupowali jego prace, starali się to robić po cichu, nie zwracając na siebie uwagi. Rzadko organizowano wystawy. Ale ku zazdrości modernistów zawsze odnosiły one spektakularny sukces. Ludzie przybywali tłumnie. I wciąż przychodzą.

Przeczytaj o artyście w artykule Świat Krystyny. Arcydzieło Andrew Wyetha”.

6. Jacksona Pollocka (1912-1956)

Jacksona Pollocka nie da się zignorować. Przekroczył w sztuce pewną granicę, po której malarstwo nie mogło już być takie samo. Pokazał, że w sztuce w ogóle można obejść się bez granic. Kiedy położyłem płótno na podłodze i pochlapałem je farbą.

A ten amerykański artysta zaczął od abstrakcjonizmu, w którym wciąż można prześledzić figuratywność. W jego pracy z lat 40. „Rysunek stenograficzny” widzimy zarysy zarówno twarzy, jak i dłoni. A nawet zrozumiałe dla nas symbole w postaci krzyżyków i zer.

Jego praca była chwalona, ​​ale nie spieszyli się z zakupem. Był biedny jak mysz kościelna. I pił bezwstydnie. Mimo szczęśliwego małżeństwa. Jego żona podziwiała jego talent i robiła wszystko dla sukcesu męża.

Ale Pollock był pierwotnie złamaną osobowością. Od młodości widać było po jego czynach, że jego przeznaczeniem była przedwczesna śmierć.

To załamanie w rezultacie doprowadzi go do śmierci w wieku 44 lat. Ale będzie miał czas na dokonanie rewolucji w sztuce i zdobycie sławy.

I zrobił to w okresie dwóch lat trzeźwości. Mógł owocnie pracować w latach 1950-1952. Długo eksperymentował, aż doszedł do techniki kroplówki.

Rozłożył wielkie płótno na podłodze swojej szopy i chodził po nim, będąc niejako na samym obrazie. I spryskane lub po prostu wylane farbą.

Te niezwykłe obrazy zaczęto od niego chętnie kupować ze względu na ich niesamowitą oryginalność i nowość.

Pollock był oszołomiony sławą i wpadł w depresję, nie rozumiejąc, dokąd iść dalej. Śmiertelna mieszanka alkoholu i depresji nie pozostawiła mu żadnych szans na przeżycie. Raz wsiadł za kierownicę bardzo pijany. Ostatni raz.

7. Andy'ego Warhola (1928-1987)

Tylko w kraju z takim kultem konsumpcji, jakim jest Ameryka, mógł narodzić się pop-art. A jej głównym inicjatorem był oczywiście Andy Warhol.

Zasłynął z tego, że zabierał najzwyklejsze rzeczy i zamieniał je w dzieła sztuki. Tak stało się z puszką zupy Campbella.

Wybór nie był przypadkowy. Matka Warhola codziennie karmiła syna tą zupą przez ponad 20 lat. Nawet kiedy przeprowadził się do Nowego Jorku i zabrał ze sobą matkę.

Po tym eksperymencie Warhol zainteresował się sitodrukiem. Od tamtej pory fotografował gwiazdy muzyki pop i malował je na różne kolory.

Tak pojawiła się jego słynna malowana Marilyn Monroe.

Wyprodukowano niezliczoną ilość takich kwasowych kolorów Marilyn. Art Warhol włączył się do transmisji. Zgodnie z oczekiwaniami w społeczeństwie konsumpcyjnym.

Malowane twarze zostały wymyślone przez Warhola nie bez powodu. I znowu nie bez wpływu matki. Jako dziecko, w czasie przedłużającej się choroby syna, taszczyła mu paczki kolorowanek.

To hobby z dzieciństwa przerodziło się w coś, co stało się jego wizytówką i uczyniło go bajecznie bogatym.

Malował nie tylko gwiazdy muzyki pop, ale także arcydzieła swoich poprzedników. Rozumiem i „Wenus” Botticellego.

Wenus, podobnie jak Marilyn, zrobiła wiele. Ekskluzywność dzieła sztuki zostaje „wymazana” przez Warhola na proszek. Dlaczego artysta to zrobił?

Popularyzować stare arcydzieła? Lub odwrotnie, spróbować je zdewaluować? By uwiecznić gwiazdy popu? A może doprawić śmierć ironią?

Jego malowane dzieła Madonny, Elvisa Presleya czy Lenina są czasem bardziej rozpoznawalne niż oryginalne zdjęcia.

Ale arcydzieła raczej nie zostaną przyćmione. Mimo to pierwotna „Wenus” pozostaje bezcenna.

Warhol był zapalonym imprezowiczem, przyciągającym wielu wyrzutków. Narkomanów, nieudanych aktorów lub po prostu niezrównoważonych osobowości. Jeden z nich kiedyś go postrzelił.

Warhol przeżył. Ale 20 lat później, w wyniku skutków odniesionej kiedyś rany, zmarł samotnie w swoim mieszkaniu.

amerykański tygiel

Pomimo krótkiej historii sztuki amerykańskiej, zakres jest szeroki. Wśród amerykańskich artystów są impresjoniści (Sargent), magiczni realiści (Wyeth), abstrakcyjni ekspresjoniści (Pollock) i pionierzy pop-artu (Warhol).

Cóż, Amerykanie kochają wolność wyboru we wszystkim. Setki wyznań. Setki narodów. Setki kierunków artystycznych. Dlatego jest tyglem Stanów Zjednoczonych Ameryki.

* Tonalizm - monochromatyczne pejzaże w odcieniach szarości, błękitu lub brązu, gdy obraz jest jak we mgle. Tonalizm jest uważany za odgałęzienie impresjonizmu, ponieważ przekazuje wrażenie artysty na temat tego, co zobaczył.

***

Komentarze inni czytelnicy patrz poniżej. Często są dobrym dodatkiem do artykułu. Możesz także podzielić się swoją opinią o obrazie i artyście, a także zadać autorowi pytanie.

Angielska wersja artykułu