Art Archive Wyróżniony artysta: Ann Kullough

Poznaj artystę z archiwum sztuki. Anne, artystka tworząca atrakcyjne wizualnie martwe natury i krajobrazy, stara się zilustrować więcej, niż mogłoby się wydawać. Jej dynamiczny styl urzeka widza, sprawiając, że dwukrotnie spogląda na zwykłe sceny i przedmioty.

Ta pasja napędza jej pracę, co z kolei napędza jej wybitną karierę nauczycielską i popularne konta w mediach społecznościowych. Od promowania swoich warsztatów last minute po prezentację swoich technik, Ann po mistrzowsku pokazuje, w jaki sposób nauczanie i media społecznościowe uzupełniają strategię biznesową w branży artystycznej.

Wierząc, że sprzedaż pracy to dopiero początek, dzieli się wskazówkami dotyczącymi marketingu w mediach społecznościowych i tym, czego uczy swoich uczniów na temat bycia artystką poza szkołą.

Chcesz zobaczyć więcej prac Anny? Odwiedzić ją.

Wejdź do (i na zewnątrz) pracowni artysty.

1. Martwa natura i pejzaże to podstawa w Twoich pracach. CO CIĘ INSPIRUJE W TEMATYKACH I JAK TO SIĘ NA NIM SKUPIŁO?

Znajduję wizualnie interesujące rzeczy, które mogą nie mieć wizualnego znaczenia. Patrzę na świat abstrakcyjnie. Pracuję tak samo niezależnie od tematu. Ponieważ wolę czerpać z życia niż ze zdjęć, często jako temat obieram martwą naturę. Wykorzystuję również martwą naturę, aby uczyć moich uczniów, jak ważna jest bezpośrednia obserwacja (praca z życia) jako sposób na rozwój wytrenowanego oka.

Patrzę na to, co mogę uzyskać z każdego przedmiotu, a nie tylko na to, co to jest. Chcę stworzyć coś, na co będzie miło patrzeć; coś spontanicznego, żywego, co sprawia, że ​​oko dużo się porusza. Chcę, żeby widz spojrzał na to więcej niż raz. Chcę, żeby moje prace pokazywały więcej, niż są.

Rysuję od dziecka, studiowałam sztukę na uniwersytecie i zawsze patrzyłam na wszystko wyłącznie z wizualnego punktu widzenia. Poszukuję ciekawych kształtów, oświetlenia i wszystkiego, co sprawi, że zapragnę spojrzeć na przedmiot po raz drugi. To jest to, co rysuję. Może nie są wyjątkowe i koniecznie piękne, ale staram się pokazać to, co w nich widzę, co czyni je dla mnie wyjątkowymi.

2. PRACUJESZ W RÓŻNYCH MATERIAŁACH (AKWARELA, USTA, AKRYL, OLEJ ITP.), CO POZWALA NACZYNIĆ SZTUKĘ REALISTYCZNĄ I IMPRESJONISTYCZNĄ. Z JAKICH NARZĘDZI LUBISZ UŻYWAĆ I DLACZEGO?

Lubię wszystkie środowiska do różnych zastosowań i z różnych powodów. Uwielbiam akwarelę, jeśli chodzi o ekspresję. Lubię dobrze przedstawić temat, a następnie użyć koloru, tekstury i pociągnięć, aby przenieść go na wyższy poziom.

Akwarela jest tak nieprzewidywalna i tak płynna. Lubię patrzeć na to jako na serię reakcji podczas rejestrowania każdego uderzenia. W przeciwieństwie do większości akwarelistów, nie rysuję najpierw tematu ołówkiem. Przesuwam farbę, aby stworzyć obrazy, które chcę. Nie stosuję też techniki akwareli, maluję pędzlem - czasem w jednym tonie, czasem w kolorze. Chodzi o przelanie tematu na papier, ale jednocześnie zwrócenie uwagi na to, co robi medium.

Sposób nakładania farby na płótno lub papier jest równie ważny, jeśli nie ważniejszy, niż temat. Myślę, że artysta powinien zacząć od doskonałej struktury pod względem ogólnego rysunku i kompozycji, ale musi wnieść coś więcej i pokazać widzowi, jak postrzegać obiekt.

To, co czyni coś wyjątkowym, co sprawia, że ​​chce się na to patrzeć, jest nieuchwytne. Bardziej chodzi o gest i chwilę, niż o drobne, drobne szczegóły. To jest cała idea spontaniczności, światła i wibracji, którą chcę tchnąć w moją pracę.

3. JAK OPISAŁBYŚ SWOJE METODY JAKO ARTYSTY? Wolisz pracować w studiu czy przebywać na zewnątrz?

Wolę zawsze pracować od życia, kiedy tylko jest to możliwe. Jeśli będę w środku, postawię martwą naturę. Zdecydowanie czerpię martwe natury z życia, bo widać więcej. Jest to trudniejsze i ćwiczy oko w widzeniu tego, na co patrzysz. Im więcej czerpiesz z życia, tym większą głębię osiągniesz i staniesz się lepszym kreślarzem.

Jeśli to możliwe, lubię pracować na miejscu, ponieważ lubię pracować na świeżym powietrzu. Jeśli przebywam w pomieszczeniu, zwykle szkicuję swoje prace w oparciu o badania, które przeprowadziłem na miejscu, w połączeniu z kilkoma bardzo szybkimi zdjęciami. Ale bardziej opieram się na badaniach niż na zdjęciach – zdjęcia to dopiero punkt wyjścia. Są płaskie i nie ma sensu tam być. Nie mogę tam być, kiedy pracuję nad dużym dziełem, ale szkicuję w moim szkicowniku – uwielbiam szkice akwarelowe – i zabieram je do mojego studia.

Czerpanie z życia jest bardzo ważne, szczególnie dla tych, którzy dopiero zaczynają rysować. Jeśli rysujesz przez długi czas, masz wystarczające doświadczenie, aby zrobić zdjęcie i zamienić je w coś więcej. Początkujący artysta sięga po kopię. Nie aprobuję fotografii i uważam, że artyści powinni usunąć ze swojego słownika słowo „kopia”. Zdjęcia to tylko punkt wyjścia.

4. CO PAMIĘTANE ODPOWIEDZI MAJĄ MASZ SWOJĄ PRACĘ?

Często słyszę, jak ludzie mówią: „Wow, to jest takie żywe, takie jasne, ma prawdziwą energię”. Ludzie mówią o moich pejzażach miejskich: „Mógłbym wejść prosto na zdjęcie”. Takie odpowiedzi bardzo mnie cieszą. To właśnie chcę powiedzieć swoją pracą.

Fabuła jest bardzo żywa i pełna energii – widz powinien chcieć je poznać. Nie chcę, żeby moja praca wyglądała statycznie, nie chcę, żeby przypominała fotografię. Chcę usłyszeć, że jest w nim „tyle ruchu”. Jeśli się od niego oddalisz, tworzy obraz. Jeśli przyjrzysz się uważnie, jest to mieszanka kolorów. Kiedy wartości i kolor zostaną umieszczone we właściwych miejscach, wtedy dzieje się magia. To jest właśnie malarstwo.

Będziesz musiał przygotować notatnik i ołówek na te inteligentne wskazówki artystyczne (lub przyciski zakładek).

5. MASZ WSPANIAŁEGO BLOGA, PONAD 1,000 SUBSKRYBENTÓW NA INSTAGRAMIE I PONAD 3,500 FANÓW NA FACEBOOKU. CO WPŁYWA NA TWOJE POSTY KAŻDEGO TYGODNIA I W JAKI SPOSÓB MEDIA SPOŁECZNOŚCIOWE POMOGŁY TWOJEMU BIZNESOWI SZTUCZNEMU?

Nie oddzielam nauczania od działalności artystycznej. Traktuję to jako integralną część tego, co robię. Część dochodów czerpię z kursów i kursów mistrzowskich, część z malarstwa. To połączenie składa się na mój biznes artystyczny. Wykorzystuję media społecznościowe, aby zwiększać świadomość na temat mojej pracy, przedstawiać ją ludziom i docierać do potencjalnych studentów.

Kiedy potrzebuję jeszcze jednej lub dwóch osób do ukończenia warsztatów, zamieszczam post na Facebooku. Zwykle angażuję ludzi, ponieważ publikuję posty na temat przedmiotów nauczanych na zajęciach. Mam też ludzi, którzy są potencjalnymi kolekcjonerami, którzy przychodzą na wystawy, dlatego moje posty kieruję do mojego regionu i ludzie przychodzą. Przyciąga to ludzi, których nie znam, do pokazania w mojej okolicy i zdecydowanie pomaga zwiększyć świadomość na temat mojej pracy.

Mam tak wiele postów w mediach społecznościowych, ponieważ za każdym razem, gdy robię demo, publikuję je. Daje wyobrażenie innym artystom i przyszłym studentom, czego uczę, jak podchodzę do przedmiotów i ile pracy wymaga, by zostać mistrzem.

Wielu początkujących nie może się doczekać, aż osiągną poziom, na którym będą wiedzieć, co robią. Pytają, kiedy będą gotowe na wystawę w galerii. Stworzenie zbioru prac przed rozważeniem wystaw w galeriach zajmuje dużo czasu i ciągłego wysiłku. Doceniam, ile pracy i wysiłku to naprawdę wymaga.

Publikuję także treści edukacyjne dla innych artystów, którzy próbują przenieść je na wyższy poziom. To wskazuje im właściwy kierunek i budzi zainteresowanie współpracą ze mną na przyszłych zajęciach.

Staram się, aby moje wpisy na blogu były autentyczne i pozytywne – to dla mnie naprawdę ważne. Jest wiele rzeczy, które nie są ważne dla początkujących artystów, dlatego chcę zapewnić tym artystom podstawy.

6. JESTEŚ NAUCZYCIELEM CENTRUM SZTUK PIĘKNYCH NEW JERSEY, MUZEUM SZTUKI HUNTERDON I CENTRUM SZTUKI WSPÓŁCZESNEJ. JAK TO PASUJE DO TWOJEGO BIZNESU SZTUCZNEGO?

Zawsze prowadzę pokazy i uważam nauczanie za część mojej działalności artystycznej. Niektóre z moich najlepszych rysunków pochodzą z pokazów, podczas których uczę uczniów.

Uwielbiam demonstrować. Jestem zainteresowany dostarczeniem uczniom zestawów umiejętności, które mogą wykorzystać samodzielnie. Wydobędziesz więcej z zajęć, gdy skupisz się na nauce, a nie na indywidualnym czasie w studio.

Jako przykłady podam własną pracę. Zabieram ze sobą uczniów na wycieczki. Każdą lekcję zaczynam od demonstracji. Zawsze mam koncepcję, którą podkreślam w wersji demonstracyjnej, na przykład kolory uzupełniające, perspektywę lub kompozycję.

Prowadzę też sporo plenerów, dlatego łączę je z kilkudniowym malowaniem. Tego lata uczę pasteli i akwareli w Aspen. Wyniki badań wykorzystam po powrocie do większych projektów.

Mogę jednocześnie mówić i rysować, naprawdę mi to nie przeszkadza. Myślę, że niektórzy mają z tym problemy. Ważne jest, aby demo miało sens. Porozmawiaj o tym i pamiętaj o tym, aby się skoncentrować. Upewnij się, że jest to bardzo ważny punkt w tym, co robisz. Oczywiście, jeśli będę pracować na zamówienie, nie będę tego robić na zajęciach. Zrobiłem kilka dużych elementów na zajęciach i zrobiłem małe na sprzedaż. Jeśli zamierzasz uczyć, musisz to umieć. Studenci studiujący sztukę są wzrokowcami.

7. JAKA JEST TWOJA FILOZOFIA JAKO NAUCZYCIELA I LEKCJA NUMER PIERWSZY, KTÓRĄ CHCESZ ZAPAMIĘTAĆ SWOI UCZNIOWIE?

Bądź autentyczny. Nie próbuj być kimkolwiek innym niż sobą. Jeśli masz coś mocnego, wykorzystaj to jak najlepiej. Jeśli są obszary, w których jesteś słaby, zajmij się nimi. Zapisz się na zajęcia z rysunku lub warsztaty mieszania kolorów. Zrozum, że musisz walczyć ze swoimi słabościami i walczyć z nimi najlepiej, jak potrafisz.

Pozostań wierny temu, co Cię ekscytuje. Kocham rysować i uwielbiam malarstwo abstrakcyjne, ale nie widzę siebie kiedykolwiek stającego się artystą czysto abstrakcyjnym, ponieważ za bardzo kocham rysować. To ważna część dla mnie jako artysty.

Nie decyduj, co będziesz rysować bardziej realistycznie, aby zwiększyć sprzedaż, jeśli nie tego chcesz. Narysuj to, co Cię najbardziej kręci i ekscytuje. Wszystko poniżej tego nie jest twoją najlepszą pracą.

Pracuj nad swoimi słabymi stronami i rozwijaj swoje mocne strony. Zajmij się tym, na czym naprawdę Ci zależy i odnieś sukces. Nie zmieniaj się, żeby zadowolić rynek, bo nigdy nie zadowolisz wszystkich. Dlatego nie wykonuję wielu zamówień. Nie chcę rysować obrazu innej osoby i podpisywać na nim mojego imienia. Jeśli nie jesteś zainteresowany rysowaniem czegoś, nie rób tego. Lepiej odejść od niego, niż ryzykować zrujnowanie swojej reputacji jako artysty.

Chcesz dowiedzieć się więcej od Ann Kullaf? .