Galeria sztuki europejskiej i amerykańskiej w Moskwie. 6 obrazów, które warto zobaczyć

Ten artykuł jest przeznaczony dla tych, którzy nie wybierają się do Muzeum Puszkina po raz pierwszy. Widziałeś już najwięcej główne arcydzieła galerii sztuki Europy i Ameryki (który jest częścią Muzeum Puszkina i mieści się w oddzielnym budynku na Wołchonce, 14 w Moskwie). I „Niebiescy tancerze” Degasa. И „Jeanna Samari” Renoira. I słynne „Lilie wodne” Moneta.

Nadszedł czas, aby bliżej przyjrzeć się kolekcji. I zwróć uwagę na mniej promowane arcydzieła. Ale wciąż arcydzieła. Wszyscy ci sami wielcy artyści.

I nawet tych, których ominąłeś podczas pierwszej wizyty w muzeum. Jest mało prawdopodobne, że zatrzymałeś się wtedy przed „Girls on the Bridge” Edvard Munch. Lub „Dżungla” Henri Rousseau. Poznajmy ich lepiej.

1. Francisco Goya. Karnawał. 1810-1820

W Rosji są tylko trzy obrazy Francisco Goi. Dwa z nich znajdują się w Muzeum Puszkina (trzeci obraz, „Portret aktorki Antonii Zarate” - w Pustelnia. Dlatego warto rozważyć jeden z nich. Mianowicie „Karnawał”.

Jest mało znana za granicą. Jednak bardzo gojowski. W jego duchu. Złowrogi, kpiący. Karnawał odbywa się w ciągu dnia. Ale wydaje mi się, że na zdjęciu jest noc. „Świętujący” ludzie wydają się tacy przerażający. To tak, jakby to byli pijacy i bandyci, którzy rano wyszli robić zamieszanie.

To prawdopodobnie najciemniejszy karnawał, jaki kiedykolwiek napisano. Taka ponurość była charakterystyczna dla wszystkich późnych dzieł Goi. Nawet w bardziej kolorowych pracach zamawianych potrafił ukazywać zwiastuny zła.

Tak dalej portret syna arystokratów przedstawił koty o złych oczach. Uosabiają zło świata, które pragnie zawładnąć niewinną duszą dziecka.

2. Claude Monet. Liliowy w słońcu. 1872

„Bzy w słońcu” – samo ucieleśnienie impresjonizm. Żywe kolory. Blask światła na ubraniach. Kontrast światła i cienia. Brak precyzyjnych szczegółów. Obraz wydaje się być przesłonięty zasłoną.

Jeśli kochasz impresjonizm, ten obraz pokaże Ci dokładnie dlaczego.

Małe dzieci postrzegają świat bez szczegółów, jak przez gęstą wodę. Przynajmniej tak opisują swoje wspomnienia osoby, które pamiętają siebie w wieku 2-3 lat. W tym wieku oceniamy wszystko znacznie bardziej emocjonalnie. Dlatego szczególnie dzieła impresjonistów Claude Monet wywołać w nas emocje. Oczywiście przeważnie przyjemne.

„Liliowy w słońcu” nie jest wyjątkiem. Nie ma dla Ciebie znaczenia, że ​​twarzy kobiet siedzących pod drzewami nie widać. Co więcej, ich status społeczny i temat rozmowy są obojętne. Będziesz przytłoczony emocjami. Chęć analizowania czegokolwiek nie obudzi się. Bo jesteś jak w dzieciństwie. Cieszysz się. Jesteś smutny. Lubisz. Martwisz sie.

Przeczytaj o kolejnym wspaniałym dziele Moneta w Puszkinskim „Boulevard des Capucines. Niezwykłe fakty o obrazie”.

3. Wincenty Van Gogh. Portret doktora Raya. 1889

W ostatnich latach swojego życia Van Gogh był całkowicie zdany na łaskę koloru. To właśnie w tym czasie stworzył swoją sławę „Słoneczniki”. Nawet jego portrety są bardzo jasne. „Portret doktora Raya” nie jest wyjątkiem.

Niebieska kurtka. Zielone tło z żółto-czerwonymi zawijasami. Zbyt niezwykłe jak na XIX wiek. Oczywiście doktor Ray nie docenił prezentu. Odebrał to jako absurdalny obraz pacjenta chorego psychicznie. Wyrzuciłem go na strych. Następnie całkowicie zakrył nim dziurę w kurniku.

W rzeczywistości Van Gogh namalował taki von celowo. Kolor był jego alegorycznym językiem. Loki i jasne kolory to emocje wdzięczności, jakie artystka odczuwała wobec lekarza.

W końcu to on pomógł Van Goghowi radzić sobie z atakami chorób psychicznych po słynnym wydarzeniu z odciętym uchem. Lekarz chciał nawet przyszyć artystce płatek ucha. Ale dowóz jej do szpitala trwał zbyt długo (Van Gogh podał ucho prostytutce ze słowami „To może ci się przydać”).

O innych dziełach mistrza przeczytasz w artykule „5 arcydzieł Van Gogha”.

4. Paul Cezanne. Brzoskwinie i gruszki. 1895

Paul Cézanne ogłosił bojkot obrazów fotograficznych. Podobnie jak jego współcześni impresjoniści. Tylko jeśli impresjoniści przedstawili ulotne wrażenie, zaniedbując szczegóły. Cezanne zmodyfikował te szczegóły.

Widać to wyraźnie w jego martwej naturze „Brzoskwinie i gruszki”. Przyjrzyj się bliżej zdjęciu. Znajdziesz tu wiele zniekształceń rzeczywistości. Naruszenia praw fizyki. Prawa perspektywy.

Artysta przekazuje swój własny pogląd na rzeczywistość. To subiektywne. W ciągu dnia patrzymy na ten sam obiekt pod różnymi kątami. Okazuje się więc, że stół wydaje się być pokazany z boku. A blat pokazany jest niemal z góry. To tak, jakby się na nas przewróciła.

Spójrz na dzbanek. Linie tabeli po lewej i prawej stronie nie pokrywają się. A obrus wydaje się nawet „wpływać” do talerza. Obraz jest jak puzzle. Im dłużej patrzysz, tym więcej zniekształceń rzeczywistości znajdujesz.

Tylko rzut beretem od kubizmu i prymitywizmu Picassa Matisse. Ich główną inspiracją jest Cezanne.

5. Edvarda Muncha. Dziewczyny na moście. 1902-1903

Na charakterystyczny styl Edvarda Muncha wpłynął m.in van Gogh. Podobnie jak Van Gogh używa koloru i prostych linii, aby wyrazić swoje emocje. Tylko Van Gogh bardziej ukazywał radość i zachwyt. Munch – rozpacz, melancholia, strach. Jak w serialu obrazy „Krzyk”.

„Girls on the Bridge” powstało na wzór słynnego „Krzyku”. Są podobni. Most, woda, niebo. Te same szerokie fale farby. Tylko w odróżnieniu od „Krzyku” obraz ten niesie ze sobą pozytywne emocje. Okazuje się, że artysta nie zawsze popadał w depresję i rozpacz. Czasem nadzieja się przebijała.

Obraz został namalowany w miejscowości Åsgardstan. Artysta bardzo go kochał. Teraz wszystko jest nadal takie samo. Jeśli tam pójdziesz, znajdziesz ten sam most i ten sam biały dom za białym płotem.

6. Pablo Picasso. Skrzypce. 1912

Picasso w ciągu swojego życia mógł pracować w różnych kierunkach. Chociaż wielu zna go jako kubistę. „Skrzypce” to jedno z jego najbardziej uderzających dzieł kubistycznych.

Picasso całkowicie „rozłożył” skrzypce na kawałki. Jedną część widzisz pod jednym kątem, drugą pod zupełnie innym. To tak, jakby artysta prowadził z tobą grę. Twoim zadaniem jest mentalne połączenie różnych części w jeden obiekt. Oto taki malowniczy rebus.

Już wkrótce Picasso, oprócz płótna i farb olejnych, zacznie używać kawałków gazet i drewna. To będzie już kolaż. Ta ewolucja nie jest zaskakująca. Rzeczywiście, w XX wieku, dzięki technologii, tak łatwo jest zobaczyć, a nawet mieć reprodukcję dowolnego dzieła. I dopiero dzieło wykonane z kawałków różnych materiałów staje się niepowtarzalne. Nie da się już tego tak łatwo odtworzyć.

Przeczytaj o innym arcydziele mistrza, które znajduje się w artykule Puszkinskiego „Dziewczyna na balu” Picassa. O czym mówi obraz?

Jeśli chcesz ponownie odwiedzić Muzeum Puszkina, to osiągnąłem swój cel. Jeśli nigdy wcześniej tam nie byłeś, zacznij studiować jego arcydzieła od artykułu „7 obrazów Muzeum Puszkina, które warto zobaczyć.”

***

Komentarze inni czytelnicy patrz poniżej. Często są dobrym dodatkiem do artykułu. Możesz także podzielić się swoją opinią o obrazie i artyście, a także zadać autorowi pytanie.